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El hijo de hombre: una obra de Rene Magritte

viernes, 1 de julio de 2016

"El hijo del hombre" es una de las obras más reconocidas de la historia del arte.

La obra del pintor de origen belga Rene Magritte, quien es uno de los más reconocidos artistas surrealistas yque desarrolla su carrera al mismo tiempo que otros exponentes de este estilo, aunque con un punto de vista personal y original.


Así mientras artistas como Dalí se inclinaban por los traumas infantiles y sus propias fantasías provocadas por muchos de sus miedos o Miró, se inclinaba por un tipo de pintura muy cercano al comic, las obras de Magritte nos remiten a un surrealismo más conceptual, como si tuviéramos que pararnos y analizar el cuadro con detenimiento, reflexionando ante aquello que se nos ofrece. Hay quien dice que la situación personal vivida en su hogar, con una madre enferma mental que acabó suicidándose, tiene gran influencia en la forma de representar que tiene en sus cuadros.

"El hijo del hombre" representa una figura humana que aparece centrada sobre un paisaje bastante neutro que nos ofrece un muro, la imagen del mar o del océano y un grupo de nubes que simulan un banco de niebla que nos oculta la visión del cielo azul. La figura humana tiene una manzana colocada delante del rostro, de manera que es imposible apreciar quien se encuentra detrás de esa cara, aunque se apunta a que la obra se trata de un autorretrato del artista.


Hay numerosas teorías sobre el significado del cuadro, una de las más comunes dice que se trataría de una representación del Adán contemporáneo, de ahí que aparezca la manzana que se encontraba presente momentos antes de la expulsión del paraíso. De este modo, la fruta simboliza las diferentes tentaciones que nos ofrece la vida moderna, de las que el hombre todavía no habría disfrutado, pues la manzana se encuentra intacta. 

La obra fue pintada en el año 1964, poco tiempo antes del fallecimiento del artista en 1967.

Al ser una obra tan popular se han hecho numerosas versiones con todo tipo de personajes, en muchos casos parodias. Le ocurre algo parecido a La Gioconda de Leonardo hay versiones que resultan muy divertidas.


Vicent Van Gogh para niños

viernes, 5 de junio de 2015

El pintor holandés es uno de los máximos representantes del postimpresionismo, movimiento por el cual se le identifica, aunque practicó otros estilos, como el impresionismo. También servirá de influencia a otros artistas tanto fauvistas por su decidido uso del color o expresionistas por su forma de concebir la pintura y la violencia con las que están resueltos algunos de sus trabajos.


Pero si tratamos de realizar primero una biografía de Van Gogh para niños tendremos que decir que aunque es conocido por su faceta como pintor, no fue esto lo único a lo que se dedicó durante su vida, ya que comenzó como dibujante y su primer trabajo fue en una galería de arte. Su inclinación religiosa le llevó a convertirse en misionero y fue enviado a una zona donde había bastantes minas en la zona norte de Bélgica, allí ejerció su trabajo de forma enérgica y decidida, siendo extremadamente estricto en el desarrollo de su labor pastoral. Fue en este destino donde empezó a realizar dibujos de la gente que vivía en la zona y sobre todo de las condiciones miserables en las que desarrollaban su trabajo o su vida social. Aunque empezó tarde a pintar, ya que su primera obra conocida es del año 1885, tuvo una gran producción artística, sobre todo en los últimos años de su vida, pensemos que en los últimos 70 días realizó 72 cuadros, prácticamente un lienzo cada día, algo que no está al alcance de todos los artistas.

En su pintura vemos como el artista sufre una evolución, desde sus primeros cuadros que tendrán unos colores oscuros y terrosos al descubrimiento de la luz y el uso del color tan típico de este artista como consecuencia de su traslado al sur de Francia y el contacto con los días despejados y soleados de la zona mediterránea.
Van Gogh es un artista que no tuvo éxito durante su vida, ni tampoco fue un pintor reconocido, será después de su muerte cuando se empiece a recuperar su figura y se hable de su influencia en artistas de la vanguardias históricas. Es decir si nuestro artista no tenía dinero, ¿quien le financiaba? Pues su hermano Theo fue el encargado de mes a mes pasarle dinero para su supervivencia. Gracias a ello conservamos una amplísima correspondencia entre los dos hermanos, con multitud de cartas que Vicent envió a su hermano contándoles tanto sus progresos con la pintura, como los problemas que le iban surgiendo en el día a día.

Dicen que las facultades mentales de Van Gogh no estaban muy bien, uno de los episodios más conocidos es cuando en Arles se cortó su oreja izquierda, que parece que no fue tanto sino solamente parte del lóbulo, pero este episodio sirvió para romper su relación con Gaugin, con el que conviví en esa ciudad.

También parece que su fallecimiento tiene que ver con su depresivo estado de ánimo ya que dicen que se pegó un tiro en el pecho cuando estaba en el campo y lo ocultó volviendo a la casa en vez de ir al médico y falleciendo dos días más tarde. Hay investigaciones que apuntan a que ese tiro no fuera un suicidio sino realizado accidentalmente por unos jóvenes en el campo de los que Van Gogh quería guardar su identidad y por eso no acudió a ningún lugar para curarselo, falleciendo como consecuencia del mismo a la temprana edad de 37 años.

En cuanto al estilo de Van Gogh hemos dicho que es el mayor representante del postimpresionismo, un estilo que tiene lugar tras el impresionismo y que abarca los años 1885-1915, frente a la percepción de la luz y el color, el nuevo movimiento está también preocupado por la vida cotidiana, sin abandonar la referencias anteriores en cuanto al paisaje y la incidencia de la luz en el mismo.

Van Gogh se acercó a la naturaleza en muchas de sus obras pero también es capaz de pintar y mostrarnos los secretos de su habitación o naturalezas muertas, todo ello con una pincelada gruesa, a veces violenta, llegando a extender la pintura con la yema de los dedos, para así mostrarnos sus emociones internas, donde el color juega uno de los papeles más importantes.

Los comedores de patatas. 1885

Andy Warhol para niños

lunes, 20 de octubre de 2014

Warhol es una de las figuras plásticas más importantes e influyentes de la segunda mitad del siglo XX dentro del ámbito artístico que se desarrolla desde los años 60 en adelante. Se le considera el padre del arte pop, es conocido por ello, aunque desarrolló otras facetas fuera del ámbito de la pintura que tienen que ver con el diseño, la ilustración, la música, el cine o el teatro experimental.
Si tenemos que hacer una pequeña biografía de Andy Warhol, diremos que nació en Pittsburgh (USA) en 1928, tuvo varios problemas médicos cuando era niño y eso le convirtió en algo hhipocondríacoy tenía cierto temor a los médicos y a los hospitales. Comenzó su carrera como ilustrador en los años 50 aunque realizó su primera exposición en el año 1962, donde con sus latas de sopa Campbells consiguió el éxito y también bastantes críticas de personas que no querían aceptar su estilo. Esas críticas le sirvieron para consolidar su fama a lo largo de los años.
Preocupado por la cultura fundó un estudio conocido como The Factory donde se dieron cita, artistas, escritores, modelos, músicos y algunas de las personas famosas del momento. Sirvió como centro de creación y de reflexión acerca del papel del arte en el mundo contemporáneo.
Sus obras más conocidas se desarrollan en esa década y en la de los años 70, el estilo de las obras de Warhol combina figuras que representan iconos de la sociedad estadounidense de la época como Marilyn Monroe o Elisabeth Taylor (algunas de ellas con las típicas salpicaduras propias del expresionismo abstracto) con elementos típicos de la cultura americana como las latas de sopa o la botella de Coca Cola que para Warhol tenían una fuerza como iconos de la cultura americana, tan grande como las celebrities que acabamos de citar. Algo de influencia dadaísta podemos reconocer en este planteamiento.

Cuando estaba en The Factory colaboró con una banda musical The Velvet Underground, liderada por Lou Reed, que comenzaba su carrera allá por el año 1965. El propio Warhol diseñó la portada del disco que incluye un plátano con manchas negras del cual se conservan varias versiones. También impuso al grupo la presencia de la cantante Nico que colaboró con ellos en el disco y que fue motivo de discusión y ruptura de relaciones entre la banda y el artista. Este disco“The Velvet Underground+Nico” está considerado por la crítica como el mejor disco de rock de todos los tiempos. La portada del disco es sus diferentes versiones (plátano sin pelar, pelado, con diferentes colores) es una de las más cotizados por los coleccionistas de vinilos en la actualidad.

Andy Warhol falleció prematuramente en el año 1987, cuando se recuperaba de una operación de vesícula, sufrió una arritmia cardiaca mientras estaba dormido y ya no despertó.
Es muy famosa una frase que podemos aplicar perfectamente a la sociedad contemporánea. Warhol dijo que todo el mundo merece y tendrá sus 15 minutos de fama. Se trata de una crítica a la sociedad de consumo y al desarrollo de los medios de comunicación de masas. Pero podemos comprobar que es cierto, incluso la fama se ha reducido a menos tiempo en algunos casos, pero las noticias absurdas y los reality shows convierten en famosos (digamos mejor conocidos para no degastar la palabra) a personas que ni siquiera lo merecen por su bajo nivel cultural e intelectual.


El impresionismo explicado a los niños

miércoles, 9 de abril de 2014

Cuando hablamos del impresionismo nos estamos refiriendo al primero de los movimientos de vanguardia que surgen a mediados del siglo XIX y que supone una reacción a la pintura tradicional.
Una de las primeras características del impresionismo es que los pintores se liberan de sus ataduras con los encargos que recibían, normalmente de nobles o miembros de la iglesia católica y comienzan a realizarlos cuadros que realmente quieren hacer. Pensemos que hasta ese momento serán muy pocos los pintores que se habían liberado del "encargo" para poder realizar aquellas obras que deseaban, pensemos en Velázquez y los Paisajes de la Villa Medici o bien en Goya cuando realiza en las paredes de su casa las Pinturas Negras. El pintor pasa a ser una persona que depende de si mismo para sobrevivir y no de aquello que le piden que haga para otras personas o instituciones.
Una de las obsesiones de los pintores impresionistas en este momento será la representación del paisaje, pero no solo la vista de un espacio natural sino también urbano o arquitectónico y como la luz influye en ese paisaje a diferentes horas del día. No es extraño encontrar las mismas representaciones de un edificio, como hizo Monet con la catedral de Ruan, a diferentes  horas del día de manera que se pueden observar los cambios que la luz ejerce sobre esas representaciones, así que no era extraño encontrar un pintor que se acercaba a una zona concreta a representar el mismo paisaje a la misma hora del día para poder captar la misma luz que ilumina esa zona.

Otro tema relativo al impresionismo es la forma de pintar, de ahí su nombre porque son impresiones, si nos acercamos al cuadro nos daremos cuenta de que prácticamente son manchas lo que compone el cuadro, pero si nos alejamos unos pasos podremos observar como esas manchas van adquiriendo forma para convertirse en aquello que el pintor desea transmitir. Pinceles poco gruesos y pequeños toques sobre el lienzo serán los que componen la obra. Partes aparentemente inconexas dan lugar a un todo que es unitario, pequeñas pinceladas que que ayudan a percibir un todo que si tiene una estructura concreta.


El sueño de Dalí

viernes, 26 de abril de 2013


"La última cena" (1495) de Leonardo da Vinci

jueves, 11 de abril de 2013


PINTURA RENACENTISTA: Es una pintura mural original del genial pintor Leonardo da Vinci. Se encuentra en la pared original donde se ejecutó la obra, es decir, en el refectorio del convento de Santa Maria delle Grazie en Milán. 

La pintura fue ejecutada por encargo del promotor del edificio Ludovico Sforza. No es un fresco original sino que utiliza las técnicas de la pintura sobre madera como el temple y el óleo sobre dos capas de yeso extendidas. 

La gran novedad de la composición de la obra es la colocación de todos los apóstoles en primer plano. Judas Iscariote no queda relegado, sino que se incluye en el grupo con su barba negra. Hay un motivo para ello: la escena elegida por el pintor es posterior al momento en que Jesús ha dicho que alguno de ellos lo traicionaría. Todas las líneas de fuga de la perspectiva se centran en la imagen de Cristo que destaca por su amplitud, solemnidad y policromía en rojos y azules y todos ellos enmarcados en una arquitectura clásica y austera. 

"La anunciación" (1430) de Fra Angelico

jueves, 20 de diciembre de 2012


PINTURA RENACENTISTA: Es una obra pintada por Fra Angélico en temple sobre tabla para un convento florentino, aunque en la actualidad se conserva en el Museo del Prado. 

La obra desarrolla el tema de la anunciación de María, tal y como lo explica el Nuevo Testamento. Delante de un pórtico "all'aperto" con bóveda de arista con tono azul celeste y estrellado, está la Virgen que ha interrumpido su lectura ante la aparición de un ángel. Ambos personajes que presiden el cuadro son dos figuras rubias y blancas de piel, con formas estilizadas y que están ubicadas en el jardín que representa el paraíso celestial donde también se encuentran Adán y Eva vestidos con pieles después de haber conocido qué es la vergüenza. Desde el margen superior izquierdo de la obra aparece la "dextera domini" emitiendo su rayo purificador, línea por donde viaja el Espíritu Santo que hará germinar en el seno de María la semilla de Cristo. Esta doble escena nos representa el principio y el final del pecado: los primeros padres expulsados del jardín del Edén y la redención del pecado que generará el fruto de la Virgen. 

Es una obra de transición entre la pintura gótica y la renacentista, con rasgos de la miniatura medieval en los detalles florales pero con una cierta tendencia más moderna en la realización de la arquitectura. Las tonalidades son más neutras y mantiene cierta austeridad en las formas.


"El jardín de las delicias" (1480-1490) de El Bosco

jueves, 13 de diciembre de 2012


PINTURA RENACENTISTA: Esta obra es la más conocida del pintor holandés Hyeronimus Bosch, más conocido como El Bosco. 

Es un tríptico de casi 4 metros de largo por 2 de alto compuesto por una tabla central y dos laterales menores y pintadas por delante y por detrás. Es una obra de gran simbolismo que aún no ha sido acabada de descifrar, aunque parece que se ejecutó como obra moralizante contra posibles herejías.

El tríptico cerrado tiene una representación de un globo terráqueo dentro de una esfera que representa la gran fragilidad del mundo. Una vez abierta la pieza encontramos en el panel izquierdo el Génesis y el Paraíso, en el derecho el Juicio Final y en el gran espacio central "El jardín de las delicias", cuando la humanidad ya ha sucumbido al pecado y a la lujuria. Está considerada una de las piezas más misteriosas de la historia del arte.


"Maestà del Duomo de Siena" (1308-1311) de Duccio

jueves, 6 de diciembre de 2012


PINTURA GÓTICA: Está considerada la obra maestra de Duccio di Buoninsegna. Está realizada en temple sobre madera. Una vez acabada la pieza fue llevada en solemene procesión a la catedral de Siena, el 7 de junio de 1311. Tenía un reverso con diferentes escenas de la vida de Jesús y de María que se han desperdigado por diferentes museos europeos, cuando en 1795 fue separado de su anverso. Pero en el frontal, que es la parte de la obra más conocida, vemos centralizados a la Virgen con el niño como "sedes sapientiae", rodeados de una corte de veinte ángeles y de diecinueve santos. En la parte superior y a ambos lados encontramos el colegio apostólico. En la base del trono aparece una inscripción en latín que dice lo siguiente: "Santa Madre de Dios, causa de paz en Siena, seas vida para Duccio ya que así te pintó".

"Plaza de San Marcos" (1724) de Canaletto

martes, 4 de diciembre de 2012


PINTURA ROCOCÓ: Esta vista de pájaro realizada por Canaletto de la famosa plaza veneciana de San Marcos, fue un encargo de un noble de aquella ciudad para decorar una estancia de su palacio. Este óleo era el primero de un conjunto de cuatro, que tenían la misma función que éste, con diversas vistas de monumentos y canales de Venecia.En esta pieza podemos contemplar toda la plaza con la basílica de San Marcos y su peculiar "campanile" al fondo.Esta torre descentra el eje de simetría en una perspectiva necesaria para poder realizar esta panorámica. Pinta, si es necesario, las líneas del suelo de manera paralela para poder dejar a la vista los edificios laterales forzando de esta manera los ejes de la perspectiva. Aunque esta fue una de sus primeras obras como pintor demuestra una gran pericia y conocimiento topográfico de los espacios pintados. El celo decorativo con el que pinta los detalles de los toldos y los transeuntes junto con las tonalidades suaves del cielo le da ese toque rococó al paisajismo de este gran artista del siglo XVIII.


"La virgen del jilguero" (1505) de Rafael

viernes, 30 de noviembre de 2012


PINTURA RENACENTISTA: En los inicios del manierismo italiano, Rafael creó esta delicada obra de arte en óleo sobre tabla que actualmente se conserva en la Galeria Uffizi de Florencia. Durante su estancia en esta bella ciudad ejecutó esta virgen María, con el niño y San Juan Bautista. Fue el regalo de bodas que le hizo el genial pintor a su amigo Lorenzo Nasi. En 1548 hubo un gran terremoto quedando la casa de Nasi destrozada y esta pieza fragmentada en dieciséis trozos. Fue restaurada poco después pero aun se pueden ver las juntas. Las tres figuras se mueven dentro de un triángulo con un cierto movimiento naturalista de los personajes. La virgen sostiene un libro simbolizando la sabiduría. San Juan está ofreciendo a Jesús un jilguero que prefigura su violenta muerte futura. Destacar la técnica del "sfumato" es las caras de los niños de tradición leonardesca.

"Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte" (1884-1886) de Georges Seurat


PINTURA POSTIMPRESIONISTA:Esta obra, considerada una de las más relevantes del siglo XIX, y realizada por el pintor francés Georges Seurat, representa una de las innovaciones en el convulso momento creativo de "fin de siecle": el puntillismo. 

La isla a la que se refiere el artista se encuentra en medio del río Sena, cerca de la zona de "La defense". Aunque durante el siglo XVIII fue una zona industrial, posteriormente se reconvirtió en un espacio de ocio y paseo muy apreciado por los parisinos. Seurat tardó dos años en hacer el cuadro centrando su atención en el paisaje, rehaciendo bocetos y esquemas, sentado entre la hierba de la propia isla. Allí retocaba y perfeccionaba las figuras poniendo una gran atención en la luz, las sombras y el color. Basado en el estudio óptico del color, esta técnica contrastaba puntos minúsculos de color que a través de la observación del ojo humano creaba una figura lógica y coherente. La intención final de este esmerado y complejo proceso de pintado mediante puntos era dar mayor color y brillo a sus cuadros mejorando así el efecto de la pincelada clásica. Mide 2 m x 3 m y se exhibe en el Art Institute de Chicago con un marco también tramado con puntos.
VIDEO: Enlace informativo

"La primavera" (1478) de Sandro Botticelli

miércoles, 21 de noviembre de 2012


PINTURA RENACENTISTA: Es una de las obras maestras de Botticelli y está realizada en pintura al temple sobre tabla. 

Fue una pieza encargada por Lorenzo de Pierfrancesco familiar de Lorenzo el Magnífico para su palacio florentino. Es una pintura basada en los preceptos humanistas y neoplatónicos marcada por esa atmósfera de irrealidad que irradia el conjunto de las figuras mitolológicas del cuadro. Es una representación pagana de un tema claramente religioso con toques alegóricos. 

El lienzo es de tamaño monumental, con figuras de medida natural compaginado todo ello con un detallismo exacerbado. La mayor parte de las figuras están inspiradas en la escultura antigua pero pasadas por el tamiz formal del pintor. Son estilizadas, delgadas e idealizadas, cuyos cuerpos parecen artificiosamente estirados y que presagian el estilo elegante y cortés del manierismo del siglo XVI. Éstas destacan por su color de piel en contraposición al fondo paisajista lleno de naranjos o mandarinas, frutas asociadas a la familia Médici. 

Parece ser que la fuente literaria de esta compleja iconografía son los "Fastos" de Ovidio. Parece ser que la ninfa Cloris, a la que gustaba exhalar el olor de las flores, cautivó al dios del viento Céfiro, quien la siguió y la tomó por esposa a la fuerza. Arrepintiéndose dicho dios por su actitud, la transformó en Flora regalándole un hermoso jardín donde la primavera reinaría siempre. A la izquierda aparece Mercurio, dios mensajero y a su lado la Tres Gracias danzando. El centro de la escena esta ocupado por Venus, diosa del amor sobre cuya cabeza se sitúa Cupido. A la derecha vemos como una segunda escena presidida en primer término por la Primavera esparciendo sus flores por la tierra mientras Flora, desnuda y cubierta por un ropaje transparente, es perseguida por Céfiro.


"La Gioconda" (1503-1506) de Leonardo da Vinci

martes, 20 de noviembre de 2012


."La Gioconda" (1503-1506) de Leonardo da Vinci

PINTURA RENACENTISTA: Quizás sea la obra más conocida de la historia del arte, denominada Gioconda o Mona Lisa y realizada por Leonardo da Vinci, su última gran obra. Ríos de tinta se han volcado sobre esta pieza y sobretodo en relación a la enigmática sonrisa (de ahí el apelativo italiano de "gioconda" entendido como "alegre"). 

Es una pintura al óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, expuesta en un sala exclusiva del Louvre. 

La identidad de la joven se cree que fue Lisa Gherardini, una noble florentina que fue retratada por el genial artista por encargo de su marido Francesco Bartolomeo. Leonardo hizo el dibujo, aplicó el óleo diluido e introdujo una técnica revolucionaria llamada "sfumato" que consistía en evitar las líneas de contorno típicas del quattrocento difuminándolas, dando así una sensación tridimensional gracias al fondo. La mujer está sentada en un sillón apoyando sus brazos en el propio asiento en una galería que se abre a un paisaje acuoso inspirado en unas vistas que el propio pintor de los Alpes pudo contemplar en Milán. Podría ser un recodo del lago de Como o el Arno. La dama no tiene cejas ni pestañas, aunque Vasari hablaba de ellas en su descripción, aceptándose la teoría de que fueron eliminadas en una restauración agresiva posterior. Su mirada gira levemente a la izquierda sonriendo de manera peculiar. Lleva un suave velo sobre el cabello, símbolo de castidad. 

Sobre los famosos enigmas de la obra se han hablado de una sonrisa que aparece y desaparece según el punto del cuadro contemplado; el posible embarazo cubierto por los brazos o la identidad definitiva de la modelo. La obra fue robada en 1911 y por ello actualmente está envuelta de importantes sistemas de seguridad.


"La resurrección de Cristo" (1463-1465) de Piero della Francesca

jueves, 15 de noviembre de 2012


PINTURA RENACENTISTA: Esta obra llamada en Italia simplemente "La resurrección" fue pintada por Piero della Francesca, en Arezzo. Está considerada una de las obras más interesantes de este pintor sobretodo por el uso de sus diversas perspectivas. Hay tres planos: los soldados dormidos en primer plano, la aparición de Cristo y el fondo paisajístico. 

El conjunto tiene una gran solemnidad por la presencia frontal y hierática de Jesús pero sobretodo por su composición piramidal. Cristo aparece en el centro y es el punto focal de atención, sobretodo porque lumínicamente destaca el color de su piel y su vestimenta más clara en contraste con el cromatismo del cuadro. Sale de su sepulcro y mira directamente al espectador. En la mano derecha lleva la cruz roja de los cruzados (bandera simbólica de la resurrección) y con la derecha sostiene la toga rosácea, mientras que con su pie da la sensación de haber surgido en aquel mismo momento de la tumba. Sus heridas son evidentes y su ubicación separa el paisaje en dos partes: la parte derecha contiene árboles exuberantes y vivos representando el nacimiento y la izquierda vemos árboles caducos de invierno que simbolizan la muerte. A los pies se encuentran los soldados somnolientos y separados por la línea horizontal del sarcófago. Uno de los soldados es Piero della Francesca, justamente el que duerme de manera frontal. Parece que uno de ellos acaba de despertar, pero sobretodo destacan algunos incongruencias anatómicas realizadas por el artista. 

VIDEO: Enlace informativo

Fuente: http://misgrandesobrasdearte.blogspot.com/2011/12/204la-resurreccion-de-cristo-1463-1465.html

"Paisaje con el embarque en Ostia de Santa Paula Romana" (1639-1640) de Claude Lorrain

martes, 13 de noviembre de 2012




PINTURA BARROCA: Claude Lorrain fue un pintor francés establecido en Roma y que atendía al nombre original de Claude Gellée. Lo enmarcaríamos dentro del barroco clasicista, con una clara inspiración paisajista vinculada a la belleza de la campiña romana de aire bucólico-pastoril. Firmaba sus cuadros como "Le Lorrain" aludiendo a su ciudad natal. 

Trabó amistad con Nicolas Poussin y se introdujo en los círculos artísticos romanos y del papado. Su fama se fue extendiendo y llegó a tener buenos imitadores como Sebastien Bourdon. Sus paisajes clásicos fueron pintados en clave religiosa o mitológica. Idealizó el paisaje sereno, evocador de la antigüedad, en su búsqueda de la bella Arcadia, con la placidez del mar o del cielo e introduciendo figuras bellas en los conjuntos de la naturaleza. 

Utilizó una luz directa y natural proveniente del sol del atardecer o del amanecer que centró en sus composiciones. En su afán de pintar espacios abiertos recurrió a los puertos que sirvieron de pretexto para dar cierta acción a las figuras que se movían en escena. 

Este "Paisaje con el embarque en Ostia de Santa Paula Romana" es un óleo encargado por Felipe V para decorar su Palacio del Buen Retiro y que actualmente se expone en el Museo del Prado. Forma parte de una serie de cuadros que diversos pintores de la época realizaron para el monarca. Aunque no lo parezca a simple vista se trata de una escena religiosa. Es el momento en que Santa Paula, en el siglo IV, se despide de sus hijos cuando embarca en el puerto de Ostia con destino a Palestina, donde vivirá como una ermitaña al lado de San Jerónimo. Pero queda claro que Lorrain utilizó esta temática para la realización de un monumental paisaje urbano lleno de reminiscencias arquitectónicas ambientadas en la antigüedad clásica aunque pretendidamente renacentista en concepto. Destaca el punto de fuga central creado por la luz solar dorada.

Fuente: http://misgrandesobrasdearte.blogspot.com/2012/06/214paisaje-con-el-embarque-en-ostia-de.html

"Los girasoles" (1888) de Vincent Van Gogh

lunes, 12 de noviembre de 2012


PINTURA POSTIMPRESIONISTA:"Los girasoles" es una serie pictórica que el artista holandés Vincent van Gogh realizó entre 1888-1889. Tres de estos cuadros contienen quince girasoles y dos de ellos doce, todos siempre dentro de un único jarrón. De la selección de estas obras nos quedaremos con el más conocido que se puede contemplar actualmente en la Nueva Pinacoteca de Munich por su belleza y por ser el primero de la serie. 

Este lienzo en concreto, lo pintó en agosto de 1888 durante su estancia en Arlés. Destaca las tonalidades amarillas y es que no olvidemos que el pintor, muy receptivo a los colores que le envolvían, estaba disfrutando de una luz típicamente mediterránea. 

Sabemos que uno de estos "girasoles" decoró la habitación que el artista preparó para su amigo Gauguin. En cada una de las telas vemos girasoles en diferentes etapas de su vida: creciendo, en su esplendor y marchitos. 

El uso del espectro de tonos amarillos fue muy innovador en la época en conjunto además con tonos ocre, tierra, naranja, etc. El color está aplicado con fuertes pinceladas, casi agresivas, con pequeños toques salteados, de gran plasticidad y relieve.  Un relieve que da cierto volumen a los girasoles además del uso de tonos azules y verdes para resaltar las sombras creando una suave intensidad lumínica. 

VIDEO INFORMATIVO: Enlace

Los libros y la lectura en el mundo de la pintura

viernes, 18 de mayo de 2012

Hermosas pinturas sobre los libros y la lectura

Herman Wessel
Jahaziel Minor

Delphin Enjolras

Jean Honore Fragonard 

Frederick Warren Freer 

Bridgman Frederick Arthur 

Doris  Joa 

Vladimir Volegov

Helen Allingham

Jenedy Paige 

Joni Dipirro

Romel de la Torre

Vladimir Volegov 
Esos maravillosos libros on PhotoPeach Esos maravillosos libros on PhotoPeach

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